Pour les anciens Grecs, la notion d'art couvertes toute forme d'activité créatrice qui ont contribué à leur développement culturel. Nous qui avons la chance d'être né dans cette partie du monde peut voir l'héritage artistique d'Athènes avec chacun de nos pas. Partout où nous regardons il ya des traces visibles de l'architecture qui a été copié mais jamais égalé. Dans tous les musées du monde, nous pouvons voir des exemples extraordinaires de la sculpture qui a attiré les chiffres de rupture avec la vie, la beauté et à l'harmonie du marbre froid. Peut-être que rien n'est plus d'une réalisation exclusivement athénienne de céramique attique, qui, dans sa recherche de la perfection créatif à travers l'ornementation dynamique, nous parle de façon dont les gens de la vie, leur culte des dieux et de leurs joies et leurs peines. La terre Grenier a toujours donné l'argile riche pour le métier de potier, que ce soit pour usage domestique, religieuse ou autre. Avec ce matériel, athénienne artistes - peintres et potiers - connus ou anonymes, expérimenté, a créé et a atteint l'immortalité.

L'une des premières pièces en céramique fabriqués dans des ateliers Grenier est l'amphore célèbre grand (1,75 m de hauteur) de la porte du Dipylon, aujourd'hui exposée au Musée archéologique. Il a été trouvé dans la nécropole de Keramikos, avoir orné la tombe d'un citoyen distingué du 8ème siècle avant JC. La scène qu'il représente ne laisse aucun doute quant à son utilisation comme une pierre tombale. Sa forme est simple, sans ostentation, il a une base étroite et un cou allongé, ce qui indique un potier audacieux qui n'avait pas peur d'une telle taille encombrante. La décoration consiste en une série successive de lignes droites et inquiet grec dessins clés, tandis que dans le milieu est le cortège funèbre avec le corps placé sur un chariot entouré de deuil des parents et des pleureuses professionnelles s'arracher les cheveux; petits oiseaux remplir les espaces. La scène évoque lamentations crétois et Maniot, expressions intemporel de la peine de mort. L'ensemble du travail - à la fois le vase et sa décoration - est caractéristique de la gravité de l'âge, où les symboles géométriques approché le transcendantal.

A cette même période, un type totalement différent de la céramique a commencé à être produite à Corinthe et dans les pays voisins Sicyone, se composant de petits pots ronds avec des courroies richement peint de décoration représentant des animaux en provenance des pays asiatiques. Griffins, sphinx et les lions ont tous suggéré échanges entre Corinthe et les ports de l'Est. Poterie du même type a été produit en Milos et de Rhodes, d'autres centres commerciaux connus de l'ancienne mer Égée. Il était aux Corinthiens, cependant, qui le premier a utilisé la technique des figures noires de l'incision du contour de la forme à la surface du pot et puis la peinture de ces formes noires.

Au début de la période la plus productive à Athènes, Solon et ses lois introduit dans de nombreux potiers capable de produire des œuvres pour une clientèle assurée. Dans le même temps, les artisans eux-mêmes ont commencé à répondre aux exigences artistiques en créant de nouvelles formes et tailles avec un développement correspondant dans la décoration. Le rigide, inflexible chiffres de l'urne funéraire géométriques progressivement acquis une élasticité de mouvement. Les artistes ont été d'abord inspiré par les sculptures de secours, qui tirent leur matière à partir des thèmes inépuisables de la mythologie. Et tandis que les Corinthiens ont donné leur travail de pionnier d'un air d'Orient par la peinture exotique figures décoratives sur elle, l'art athénien devient récit. Ses figures noires révélé les passions des dieux et des héros, ainsi que les professions des gens ordinaires: leur travail, les cérémonies et les faiblesses. Au début, les scènes évolué horizontalement, comme les pots de Corinthe qui étaient leurs modèles, bien que les travaux d'Athènes étaient beaucoup plus grands. Décor incisé permis à la couleur naturelle de l'argile pour voir à travers, et seulement sur les formes féminines sont les visages et les parties découvertes du corps peint en blanc. Très souvent, les artistes ont ajouté les noms des personnages représentés dans le script archaïque.

De la 6ème siècle sur, les artisans ont cessé d'être anonymes car ils ont commencé à signer leurs œuvres. La première pièce signée de poterie que nous avons est un homme du nom Sophilos. Ce fragment a été daté inestimable 570 avant JC. C'est ce même artisan qui nous a laissé une scène signé des jeux funèbres en l'honneur de Patrocle tué l'extérieur des murs de Troie, au cours de laquelle les spectateurs sont représentés assis sur une plate-forme double avec étapes: la tribune premiers à être vus dans le histoire de la paliers théâtre.

L'âge d'or des vases à figures noires était de 550 à 500 av. Pour cette période appartient au célèbre vase François, maintenant affichée dans Florence, à laquelle le Ergotimos Potter et le peintre Kleitias fièrement apposé leurs signatures. Ces deux artistes ont réussi à présenter 250 figures animées des personnes et des animaux dans les cinq rangées parallèles sur un vase d'une hauteur totale de seulement 66 cm. Cette avance faite pots Grenier recherché dans toute la Méditerranée et a conduit les colons du sud de l'Italie et la Sicile à établir leurs propres ateliers, à partir de laquelle ils ont laissé de nombreux exemples de leur art incomparable. Musée des vitrines sont remplies de vases représentant des dieux, satyres impudent, ivre, mortels languissant, pédérastes cœur dur, et nobles chevaux prêts à tirer les chars des héros.

Exekias, peut-être le plus grand peintre de poterie de son temps, vécu dans environ 530 BC. Il fut le premier qui a osé ornent l'extérieur de ses tasses avec deux yeux énormes d'origine superstitieuse. Le plus bel exemple de son art est la kylix à Munich, dont l'intérieur montre insouciant voile Dionysos dans son bateau, après avoir transformé les pirates qui voulaient lui faire du mal en dauphins. Une vigne luxuriante jaillit du mât et les raisins jeter leur ombre sur le voile gonflée. Ce voyage, dans un contexte de rêve comme le rouge, a été la préface à une nouvelle forme de peinture sur poterie, à figures rouges.

Cette nouvelle technique a été exactement l'inverse de la précédente, car ici toute la surface du bateau a été peint en noir, sauf pour les chiffres précédemment établis qui ont conservé la couleur brique chaude de la terre cuite. Les artistes ne sont plus incisées la conception, mais utilisé brosses, ce qui rend les détails de la robe et coiffure élaborée avec des lignes bien sûr. Les femmes ne sont plus présentés en blanc. Au contraire, les deux formes mâles et femelles ont souvent été recouverte d'un vernis rouge qui reflète quelque chose de la chaleur interne du corps humain.

L'inventeur de la technique des figures rouges est considéré comme un homme du nom Andocide, même si lui-même souvent décorés de ses vases à l'ancienne. La période transitoire peut être vu dans son soi-disant «bilingue» les navires sur la même scène qui a été présenté à figures rouges d'un côté et noir de l'autre. Coupes ont été trouvés à figures noires à l'intérieur et l'extérieur rouge. Ensuite, certaines différences ont commencé à apparaître dans les détails des caractéristiques. Par exemple, sur la poterie noire, les hommes ont été présentés avec des yeux ronds, tandis que les femmes ont toujours eu les yeux allongés; dans la technique à figures rouges cependant, les hommes et les femmes avaient tous deux le même aux yeux en amande avec des cils épais. Dans le même temps les artistes a augmenté l'écart de l'allégement inflexible archaïque qui a montré des choses dans le profil. étude des artistes de sculptures de longue durée était clairement visible dans la représentation de figures qui semblaient être face au spectateur. Vous cherchez, par exemple, au garçon de marbre Kritias dans le musée de l'Acropole et une figure de jeune homme sur un morceau de poterie, nous pouvons détecter précisément la position même fiers de l'organisme.

Le réalisme croissant de sculpture ne pouvait poterie influence, de sorte que même décor peint a commencé à acquérir le mouvement et la vitalité. Scènes de la vie ordinaire ont été présentés, qui confine parfois à la moquerie. Les peintres étaient impitoyables dans leur représentation des personnes âgées, montrant toutes les rides et la laideur de l'âge. satyres difformes a donné aux artistes la possibilité de montrer leur art, et la gaieté provoquant en même temps. Il est caractéristique d'une tasse à Munich à laquelle le peintre Epileios montre un satyre très laid invraisemblablement nommé Terpon (joie), en criant la phrase "vin doux" avant une outre pleine. Ailleurs, des scènes explicitement érotiques ont été établis dans lequel les expressions sur les visages étaient aussi représentées graphiquement que le mouvement. Parfois, des compositions multi-figurées sont présentés à différents niveaux à des fins narratives. Inscriptions apparaissait de moins en moins souvent que le temps passait et l'art élaboré.

Un merveilleux exemple d'un vase à figures rouges à partir de 500 Colombie-Britannique est la kylix Sosias à Berlin. Elle représente un moment de la guerre de Troie dans lequel Achille tend blessure de Patrocle. La scène est clairement présenté: par exemple, des détails sur les cheveux du héros est soulignée par les petites lignes et de leurs armures échelle semble être en relief. Pour la première fois, les yeux sont dessinés dans le profil, exactement comme nous les voyons dans la réalité. Patrocle est représenté avec la bouche entrouverte, grinçant des dents contre la douleur de sa blessure, qui d'Achille a bandé avec un chiffon blanc. main gauche d'Achille et le pied droit de l'homme blessé, avec ses orteils osseux, démonstration d'une technique superbe.

Les possibilités offertes à l'artiste par la peinture céramique à figures rouges complètement supplanté l'ancienne technique à figures noires qui avait prévalu exclusivement dans la décoration de la poterie athénienne jusqu'à la 4ème siècle. Amphores, comme son nom l'indique en grec, sont des bateaux avec deux poignées pour faciliter la réalisation. Dans ces amphores, Athéniens enverrait huile, le vin, les noix et les légumineuses partout dans le monde connu. Avec la création de la Panathénées, c'est devenu une habitude de donner des amphores pleines d'huile de la oliviers sacrés de la déesse Athéna aux gagnants des concours. La hauteur de ces navires était d'environ 70 cm et leur forme est plus ou moins rondes, toujours avec une petite base circulaire et d'un bouchon d'argile pour protéger le contenu. Souvent, le col du vase est décoré avec anthemia. Sur les amphores Panathénées il y avait toujours une présentation d'Athéna dans les bras d'un côté et le concours dont le vainqueur s'était distingué de l'autre.

A propos de l'évolution de la peinture en tant que telle, nous n'avons pas connaissance d'autres que les écrits qui sont parvenus jusqu'à nous. De ceux-ci, nous obtenons une description des œuvres d'Apellis et Polygnote, mais très peu de choses. C'est pourquoi la peinture poterie est si précieux. L'ordre soi-disant riches de l'art du 5ème siècle, avec ses habits de luxe, les couleurs et bijoux en or est très révélateur d'une société à l'aise. Les lécythes attiques sont tout aussi éloquents.

Le lécythe blanc a été un autre type de céramique dans la Polis, mais avec un usage limité. Ces vases contiennent généralement des huiles aromatiques pour la préparation des morts. Après le cortège funèbre et la crémation, ils ont été placés soit dans la tombe ou sur les marches du monument funéraire. La surface entière de ce navire particulier a été revêtu d'une couleur blanc cassé sur lequel les chiffres ont été conçus librement. Habituellement, la personne décédée était représenté recevoir des cadeaux enterrement de son ou ses proches ou d'une autre scène reliée à la mort. Le fond blanc de ces vases a encouragé l'utilisation de couleurs sur les chiffres et en particulier sur les vêtements. cheveux bruns ou blonds pourraient être rendus superbement comme des expressions pourrait sur les visages de ceux qui pleurent, qui a montré mortels accepter la volonté des dieux tout-puissants avec tristesse noble. Les représentations sur les lécythes blancs attiques ont été les précurseurs des superbes peintures murales sur les tombes macédoniennes la terre de la République hellénique se trouve au nord que maintenant progressivement abandonner.